Música de una aventura digital

Uno de los elementos con los que se identifica cada generación es la música y el momento que recuerdan al escucharla, dándole una prioridad especial no solo en nuestras memorias, sino como referencia obligada cuando hablamos de un tema en especifico. En mi generación (y también en la actual), la música de los juegos de video nos recuerda las tardes que pasamos tratando de vencer a ese maldito jefe al final de Chronno Trigger, cuando íbamos con nuestro amigo o hermano disparando a lo que se moviera en Contra, tratando de pasar desapercibidos mientras buscábamos terminar exitosamente Metal Gear Solid o celebrando con la fanfarria de victoria cuando al final vencíamos a Ruby Weapon en final Fantasy VII.

Aunque muchos recordamos la música, realmente son pocos los que saben el nombre del compositor o arreglista de temas inconfundibles, como Donkey Kong, Kid Icarus, Dragon Warrior, Castelvania, Mega  Man y demás títulos que se han hecho clásicos en la historia de los videojuegos.

En el caso especifico de Nintendo, Koji Kondo es quien sa ha hecho nombre trabajando  en todos los proyectos de Shigeru Miyamoto. Desde el primer Super Marios Bros, hasta la versión mas reciente de Metroid, Kondo ha compuesto, arreglado y remezclado una infinidad de temas, y no fue hasta la aparición de The Legend of Zelda: A Link to the Past que empezó a recibir la mención que merece, a pesar de que seguramente, el fue el autor de muchos temas clásicos en los juegos de NES y el primer Game boy.

Para la serie de Zelda, Kondo compuso cuatro temas básicos que han estado presentes de una u otra forma en todos los títulos de la saga. La idea general era darle a estos juegos una musicalización épica que acompañara el drama y la aventura de Link a los oídos de quienes lo jugaran, aun cuando dejaran el juego a un lado.

Esta musicalización extremadamente básica en el Nintendo de 8 bits, salto junto con la popularización de los videojuegos en Japón, cuando apareció el Super Nes. Ahora cuando la música de los videojuegos tiene una aceptación casi idéntica que los de las películas en Japón y Europa.

Literatura de Fantasía: Más que Elfos y Niños Mágicos

Todos tenemos imaginación, pero pareciera que con el paso de los años nos olvidamos de lo que es. Recuerda cuando eras niño y jugabas a que eras uno de esos grandes héroes de caricatura e inventabas diálogos, solo o acompañado, le dabas vuelo a la imaginación hasta en la comida, ¿Cuántos de ustedes no se ponían a fantasear con unas galletas de animalitos y un vaso de leche? Pero ahora, cuando ya estudias o trabajas, parece que la imaginación ha terminado y que ya no hay tiempo para crear fantasías.

Sin embargo, no hay que dar todo por perdido, pues en la literatura hay algo llamado fantasía y ciencia ficción, y aunque esto no significa que de ahora en adelante te conviertas en un lector empedernido, si puedes darte cuenta que la imaginación y la fantasía también se plasman en letras y no solo en imágenes, como en el cine.

Y no es que esté en contra del cine de ciencia ficción, mas bien hay que darle honor a quien honor merece, porque muchas películas de gran éxito en taquilla están basadas en interesantes libros que a veces ni conocemos.

Vivimos siempre con el deseo de conocer otro planeta, otro espacio; de saber qué mundo raro se esconde del otro lado del espejo de nuestra propia realidad física, porque interiormente están nuestro pasado, deseos y sueños.

Y es que pareciera que a determinada edad, cuando nos consideramos adultos, nos da miedo fantasear, o dejamos que la imaginación se vuelva cosa de niños, porque para “la gente normal” fantasía e imaginación, también van ligados con mentira e invención. Algo así fue lo que le paso al escritor Michel Ende, a quien siempre se le criticó por defender y reivindicar el espíritu de la fantasía en sus cuentos.

A veces también pensamos que lo fantástico es solamente un mundo irreal lleno de criaturas raras, por ende, en su libro “El ponche de los deseos”, no expresa precisamente ese escenario boscoso y fantasiosamente fuera de la realidad; es mas bien un texto sencillo de trama ingenua en donde el final parece adivinarse desde el principio, al desnudar claramente la oposición entre el bien y el mal.

No deberíamos encasillarnos en un solo tipo de escritor, debemos aprender de los distintos escritores de libros de fantasía, autores capaces de ponerse en relación con ésta y de recorrer sus distintos senderos. Los escritores nos ayudan a descubrir la lengua, pero también nos ofrecen capacidades de sorpresa e invención, nos brindan instrumentos para descubrir cosas y adelantarnos en su significado.

La literatura de Ana María Shua se contempla en diferentes géneros, pero sus libros expresan que la fantasía no obedece las reglas de ningún género. En el libro “la Sueñera”, el sueño parece estar conformado de fragmentos permanentes de pesadillas, visiones y poemas.

Al leerla se comprende de otra manera la realidad y las zonas de lo irreal. Su literatura fantástica brinda ambientes y espacios para el desorden y la transgresión, usando el único signo posible: imaginación y lenguaje.

Por ultimo, se podría decir a las personas que nos les gusta este tipo de literatura o que la consideran como absurda: ¡no pasa nada!, pero recuerden que siempre existe el deseo por conocer otros mundos y que podemos ingresar a ellos a través del reino de la fantasía  que precisamente esta en nosotros.

El hobbit: una película inesperada.

Peter Jackson nos sorprendió a todos al llevar a la gran pantalla la mítica historia de Tolkien; pasando de ser una historia que veneraban algunos grupos que habían leído los libros y soñado con visitar la Tierra Media; a ser un referente de la cultura popular.

Los cambios que se atrevió a hacer a las historia como tal fueron mínimos, sin embargo, su mayor logro fue entender y extender la personalidad de algunos personajes que podría ser algo plana para lo complicados que son las cosas hoy en día.

Siguiendo con la franquicia y cobijado por el éxito anteriormente obtenido se presenta como una opción más en cartelera "El hobbit: un viaje inesperado". La precuela a la trilogía del anillo. A diferencia de la saga protagonizada por Frodo y compañía, esta nueva trilogía está basada en un sólo libro.

La mayoría esperábamos una sola película contándonos las peripecias de Bilbo, y cuál fue nuestra sorpresa al enterarnos de que también sería una trilogía. El pensamiento más común al respecto fue "¿De dónde va a sacar tanto material para tres película?

Para los que sólo hemos leído las obras principales de Tolkien nos llevaremos unas gratas sorpresas al ver detalles que sólo aparecen en lo más rebuscados de las narraciones sobre la Tierra Media, que enriquecen en gran medida la historia.

Ahora como película tiene una duración exagerada, que pocas veces se hace cansada, sin embargo, se abusa de los momentos cómicos para darle agilidad a la trama. Tiene escenas muy bien logradas, como el mítico momento que cambia el rumbo de toda la Tierra Media (el encuentro entre Bilbo y Gollum) o como el escape de los enanos.

En cuanto a las actuaciones Ian McKellen nos remonta a la pasada trilogía con su personaje de Gandalf, manteniendo en la misma frecuencia las películas, sin embargo, las acertadas participaciones de Martin Freeman como un muy elegante señor Bolsón y la interpretación de un solemne Thorin de parte de Richard Armitage brindan una frescura impresionante y evita que los más despistados quieran buscar comparaciones de esos personajes en la otra trilogía.

La banda sonora, fuera de la magnífica canción de los enanos no aporta nada nuevo. Lo mismo pasa en cuánto al aspecto visual de la película, manteniendo una estética muy similar a lo ya antes mostrado por Jackson y compañía, con el ligero cambio de una vista en tercera dimensión; que ha diferencia de otras películas que han utilizado esta técnica; es bien aprovechado.

En conclusión, El hobbit:un viaje inesperado sigue la misma fórmula que la trilogía de El señor de los anillos, sin embargo, los pequeños errores que pudieron cometer han buscado solucionarlos, como la lentitud de La comunidad del anillo.

Rocket "Rocky" Raccoon

En Julio de 2012, dentro de la Comic-Con de San Diego, dentro de los futuros proyectos fílmicos de Marvel se anunció la película de los Guardianes de la Galaxia. El grupo de personajes elegidos para protagonizar dicho filme es el elegido por Dan Abnett y Andy Lanning para el cómic del dicho nombre publicado a partir de Mayo del 2008, sin embargo, ya existía un cómic llamado así, con una alineación diferente creado por Arnold Drake y Gene Colan en 1969.

La apuesta de lanzar una película de un cómic no tan popular pudiera parecer arriesgada, sin embargo, Marvel ha ido preparándoles el camino para el público no tan adentrado en el mundo de las historietas, incluyéndolos en distintos medios, como es el caso del episodio llamado "Michael Korvac" dentro de la serie animada The Avengers: Earth's Mightiest Heroes. A su vez ya se tiene preparada su aparición dentro de la serie Ultimate Spider-man. Además de su incursión dentro de la línea de juguetes Marvel Universe y en el juego de estrategia Heroclix. 

Dentro de los videojuegos, en el Ultimate Marvel Vs. Capcom 3 se ha incluido como personaje al Rocket Raccoon personaje que da nombre al presente artículo.

Rocket Raccon fue creado por Bill Mantlo y Keith Giffen y apareció por primera vez en Marvel Preview #7 (1976). El es un mapache antropomórfico inteligente, que es un experto tirador y gran estratega.

Entre las particulares de dicho personaje, la que me gustaría mencionar es que está basado nada más y nada menos que en una canción del mítico cuarteto de Liverpool, The Beatles. La canción se titula "Rocky Raccoon" la cuál forma parte del álbum "The Beatles", generalmente conocido como "El álbum blanco".

La canción es una balada de Folk rock, escrita principalmente por Paul McCartney y fue grabada el 15 de agosto de 1968. Fue la última canción de The Beatles en la que John Lennon interpretó la armónica y el piano típico del bar del oeste fue tocado por el legendario productor George Martin. 

Sin más les dejo el tema, acompañado de una curiosa animación:

TRANSFORMER "EL ORIGEN"

A finales de los setenta la compañía Takara lanzó un juguete con articulaciones, que se presentaba,  a simple vista, como un vehículo de transporte (avión o auto), pero bastaba  manipular el orden de las piezas móviles para que un Volkswagen se convirtiera en un robot humanoide. Estas figuras de acción se dieron a conocer en el mercado como “Diaclones”, y paulatinamente invadieron Japón, E.U y América Latina.

La respuesta positiva del público fue fundamental para que este peculiar juguete contara con su propio universo narrativo, tanto en cómic como en serie animada. Para los adultos que en ese entonces eran niños, la simple mención de Optimus Prime reaviva aquel sueño imposible de convertirse en un heroico robot.

La primera generación

En 1982, la compañía Hasbro y Marvel Production establece un acuerdo para negociar los derechos de los diseños de las figuras, que en menos de un lustro se convertirían en ícono.

Dos años después, la triada creativa de estudios estadounidenses, japoneses y canadienses debutó en las pantallas norteamericanas con la serie “Trasformers”, cuya premisa planteaba un universo alterno donde los robots tenían la cualidad de adquirir mecánicamente otra forma y de sentir emociones. El primer episodio engancho a una gran cantidad de seguidores, y con el éxito asegurado se puso en marcha una cadena comercial que en la actualidad sigue extendiéndose. 

La primera tanda de temporadas que conforman la serie principal se llama “Generación uno”, compuesta por:

1° Temporada 16 episodios (1986)

2° Temporada 49 episodios (1985)

3° Temporada 30 episodios (1987)

4° Temporada 3 episodios (1987)

Con dos películas tituladas “Scramble city” en 1986 y “Scramble city 2” en 1987

Al finalizar la transmisión de la serie principal se realizaron una veintena de secuelas, que exploran mas ampliamente la historia de “Generación uno” , entre las que destacan:

Headmaster

 

Victory

Beast War

  

 ,                                                   

Beast Machine

Y muchas pero muchas más, de las cuales les hablaré en el siguiente post  つづく

El canto de Sweeney Todd "El sangriento barbero de Tim Burton"

Si alguien ha logrado construir universos fantásticos llenos de siniestra belleza, en donde lo luminoso de la oscuridad se hace presente, ese es Tim Burton. Un hombre cuya retorcida imaginación no tiene limites y que ahora, para beneplácito de todos los amantes de lo extraño, presento su  gran película, Sweeney Tood, producción que parece tener todo el sello del cine Burtoniano. Ah, por cierto, también es un musical.

Quizás para muchos resulte sorpresivo que Tim Burton optara por un musical, sin embargo solo basta recordar películas como El extraño mundo de Jack (en donde solo fue productor), y El cadáver de la novia (esta sí, dirigida por él), para darnos cuenta de que este realizador tiene una gran inclinación por las escenas donde las canciones sustituyen a los diálogos, y se convierten en un ingrediente básico de la historia. Incluso en películas como Bettlejuice y Bigfish, los números musicales tienen un alto grado de protagonismo. Dados estos antecedentes, era lógico que tarde o temprano, Burton abocara sus esfuerzos en realizar una película musical en toda la extensión de la palabra. En este caso se trata de Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, adaptación a la pantalla grande de un musical original de Stephen Sondheim, que se presenta con éxito en los escenarios de Broddway en 1979 y que a su vez esta basada en el libro de Hugh Wheele.

Los lamentos de un barbero y su leyenda.

La trama de Sweeney Tood: El Barbero Demoniaco de la calle Fleet, por su titulo en español, gira alrededor de Benjamin Barrer, un hombre que es enviado a prisión de forma injusta, lo cual destruye no solo su vida, sino la de su esposa y su hija. Es cuando este resentido sujeto, ahora apodado Sweeney Todd, regresa para abrir su barbería, que comienza un sangriento camino de venganza, al atender y afeitar a cientos de caballeros, de los que después nadie vuelve a saber nada. Para esto contara con la ayuda de Mrs. Lovett, una diabólica repostera que cocina unas suculentas tartas.

Es importante señalar que la siniestra historia de este barbero, encuentra su origen en la tradición popular británica y aunque se presume que esta basada en hechos reales, esto no se ha comprobado. Uno de los primeros antecedentes que se tiene del personaje de Sweeney Tood, fue el de su aparición el 21 de noviembre de 1846, en el numero 7 de la publicación de The People’s Periodical. En este caso titulado The String of Pearls : A Romance, se trata de un relato escrito por Thomas Prest, autor especializado en relatos protagonizados por toda clase de monstruosos villanos.

Desde entonces, se puede rastrear toda clase de novelas, obras de teatro y películas que retoman la historia del vengativo hombre cuya navaja cortaba más que las barbas de sus clientes. Entre estas se pueden mencionar la cinta Sweeney Tood: El Barbero Demoniaco de Fleet Street realizada en 1936 y la producción televisiva de 1998, La fábula de Sweeney Tood de 1998.

   

Sweeney Todd (1936) 

Sweeney Tood (2007)

 

Ficha Técnica

Estados unidos, 2007
Título Original: Sweeney Tood: The Demon Barber of Fleet Street
Dirección: Tim Burton
Producción: John Logan / Laurie MacDonal / Walter F.Parkes / Richard D. Zanuck
Guión: John Logan / Christopher Bond / Hugh Wheeler (libro)  / Stephen Sondheim (musical)
Fotografía: Dariusz Wolski
Música: Stephen Sondheim
Reparto: Johnny Deep / Helena Bonham Carter / Alan Rickman / Timothy Spall / Christopher Lee / Sach Baron Choen

Man on the moon.

Jim Carrey es uno de los actores que nunca me ha gustado del todo, sin duda tiene buenas interpretaciones y otras desastrosas, pero en este caso nadie pudo ser mas adecuado para traer a la pantalla la película de Man on the moon.

Esta cinta es una biografía que nos cuenta la historia de Andy Kufman (1949 - 1984) un comediante Estadounidense muy adelantado a su época.

Kufman logro saltar a la fama por sus malas imitaciones de personajes de su época, canciones infantiles y chistes malos contados con la única intención de hacer enfadar al publico para que mas tarde se percataran de que fueron engañados. También fue creador de la llamada " Lucha libre mixta" la cual fue un tropiezo en su vida artística. Además pasamos por momentos que marcan a nuestro personaje como son su entrada y salida de la T.V., un amorío inesperado y la lucha que enfrenta contra el cáncer, así como una visita poco usual para poder acudir a un curandero milagroso.

Si bien la cinta es difícil de digerir en algunas partes no deja de ser buena y una alternativa si quieres ver algo distinto aun cuando no conoces nada de Andy.

Un vídeo que puede servir de introducción al humor de Andy

Aquí en México es de esas películas que encuentras en los locales de $50, quizá también en algún Walmart en los botaderos. Así que no será muy cara; según revise en diferentes paginas de descarga también se puede conseguir, solo es caso de "googlear" un poco.

Ficha tecnica
Titulo: Man on the moon
Director: Mios Forman
Protagonistas: Jim Carrey
                      Danny DeVito
                      Curtney Love
Guion: Scott Alexander
           Larry Karaszewiski